Qué es el Pop Art; El pop art o arte pop se ha convertido rápidamente en uno de los movimientos artísticos más famosos, perturbadores y bien considerados que se conocen en todo el mundo. Algunos artistas del pop art se han convertido en nombres conocidos, y sus imágenes e iconografía son elementos básicos de la cultura occidental.

Comparado con algunas formas de arte, el arte pop puede considerarse bastante accesible, ya que utiliza imágenes atrevidas que emplean referentes culturales comunes para invocar la intención de los artistas en el espectador. Sin embargo, eso no quiere decir que el pop art sea un movimiento superficial. Hay muchos estilos de pop art, artistas y formas de definirlo como movimiento y como medio.

En pocas palabras, el pop art es un estilo artístico que explora elementos de la cultura moderna. Los artistas de este movimiento se basaron en gran medida en las imágenes de los anuncios publicitarios y trataron de reproducir este estilo llamado “kitsch” en sus obras.

Es más, los artistas del arte pop a menudo utilizaban los mismos medios mecánicos de creación de anuncios, como la serigrafía, para dar a su obra la sensación de ser una copia. Como podía reproducirse tan fácilmente, el pop art es uno de los movimientos artísticos más populares.

Si no estás familiarizado con el arte pop, probablemente te suenen algunos de los nombres asociados a este estilo. Andy Warhol y Roy Lichtenstein son probablemente los dos artistas más famosos de este movimiento. Y, si no reconoces los nombres, ¡seguro que reconoces sus obras!

Se considera que el pop art es una reacción contra el impresionismo abstracto de las décadas anteriores a los años 50/60. Muchos artistas consideraban que este tipo de arte no era lo que les gustaba. Pensaban que este tipo de arte era un poco elitista y no reflejaba la vida de la gente normal. Por ello, había un deseo de que el arte incorporara objetos e imágenes cotidianos.

Curiosamente, muchos artistas que se convirtieron en líderes del movimiento del arte pop empezaron sus carreras en el arte comercial. Andy Warhol, por ejemplo, fue ilustrador de revistas antes que artista, lo que quizá inspiró su fascinación por lo producido en masa.

Ni que decir tiene que muchos críticos se escandalizaron ante este nuevo estilo artístico, rechazando el uso de temas “bajos”. Como tal, fue resistido por gran parte del establishment artístico. Sin embargo, a pesar de todo, el pop art llegó a ser increíblemente influyente, y muchos lo consideran el primer gran movimiento artístico posmoderno.

Al crear pinturas que captaban lo mundano, el arte pop difuminó los límites entre la “alta” y la “baja” cultura, lo que hizo que el arte pareciera más accesible para mucha gente. Muchos artistas de la época siguen siendo populares hoy en día.

Definición de pop art

Richard Hamilton, artista pop, escribió en 1957 su definición del arte pop en una carta a sus amigos:

El arte pop es Popular (diseñado para un público masivo), Transitorio (solución a corto plazo), Prescindible (se olvida fácilmente), De bajo coste, Producido en masa, Joven (dirigido a la juventud), Ingenioso, Sexy, Simpático, Glamuroso, Un gran negocio.

Orígenes del pop art

El arte pop como movimiento colectivo comenzó hacia 1950. En Londres, Inglaterra, se formó el Independent Group, un grupo centrado en el arte. Incluía a un grupo de artistas, arquitectos y críticos de arte que se reunían para hablar de la cultura popular. Esto incluía películas, libros, ciencia ficción y el mundo de la publicidad. Los nuevos electrodomésticos, que hacían más eficiente el funcionamiento de una casa, eran la tecnología innovadora de la que todo el mundo hablaba.

Los primeros artistas que crearon arte pop fueron Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi. Tanto Hamilton como Paolozzi, utilizaron sus obras de pop art para criticar el consumismo estadounidense. Mientras tanto, Inglaterra seguía luchando contra los efectos de la II Guerra Mundial. Los artistas de pop art británicos fueron los primeros en usar imágenes de los medios de comunicación de masas en sus obras de arte pop.

El nombre de pop art se ha atribuido al Independent Group, al crítico de arte Lawrence Alloway, a los arquitectos Alison y Peter Smith, y al artista visual británico de arte pop Richard Hamilton. Todos ellos habían escrito cartas que contenían la frase. Además, la palabra “pop” aparece en la obra de arte I Was a Rich Man’s Plaything (1947).

Eduardo Paolozzi (1924-2005), artista de pop art británico nacido en Escocia, realizó una variedad de arte pop que incluía collages, obras gráficas, esculturas y murales de mosaico. Su primer collage de arte pop de 1947 se titula I was a Rich Man’s Plaything (1947). El tema central es la imagen de una chica pin-up tomada de una revista estadounidense. Otras imágenes son una tarta de cerezas, el logotipo de Coca-Cola y un bombardero de la II Guerra Mundial. La palabra “POP!” emerge de una pistola sostenida en la mano de un hombre. Es interesante observar que, aunque Paolozzi trabajaba en su arte, como este arte pop, no lo mostró a nadie hasta años más tarde.

El pop art en la década de 1950

El Independent Group celebró dos importantes exposiciones en Londres durante la década de 1950. Parallel of Life and Art, en 1953, y This is Tomorrow, en 1956, donde la gramola suministraba un flujo constante de música rock. Estas exposiciones públicas contribuyeron a popularizar a los artistas británicos del arte pop.

Just what is it that makes today’s home so different, so appealing? del artista inglés de pop art Peter Hamilton (1922-2011) es un collage del interior de una casa, utilizando recortes de revistas y periódicos. El arte pop critica el consumismo estadounidense y un estilo de vida idealizado. Un hombre musculoso oculta su desnudez tras una gran piruleta. Una mujer desnuda lleva bragas.

El artista británico de arte pop Peter Blake (1932-) combina imágenes de personas, e ilustraciones de bellas artes en marcos, con cultura popular, como revistas en su obra On the Balcony. La obra, que parece un collage, está pintada a mano.

El pop art británico en la década de 1960

Los artistas británicos del pop art empezaron a usar serigrafías en el arte, que antes sólo se habían usado en publicidad. Los artistas pop se sintieron atraídos por la serigrafía porque era un método no tradicional de crear arte. También les permitía producir sus obras en masa con facilidad.

Paolozzi empleó este método tanto en el arte como en el diseño de interiores, desarrollando textiles y papel pintado. A Hamilton le atraía crear arte que mostrara interiores de viviendas.

Empezaron a surgir en escena nuevos artistas pop británicos. La artista Pauline Boty (1938-1966) era considerada la «It Girl», en el Swinging London de los años sesenta. Estudió vidrieras en la escuela de arte y más tarde se centró en la pintura. Su arte pop incluía celebridades, mujeres en un mundo de hombres, feminismo y temas políticos.

El artista británico de pop art David Hockney creó A Bigger Splash (1967), tras mudarse a Los Ángeles en 1964. El gran lienzo cuadrado mide 239 centímetros de lado, y forma parte de la Colección de la Tate, Londres, Reino Unido. La inspiración para esta obra de arte pop, acrílico sobre lienzo, fue un catálogo de piscinas. Más tarde, el artista dijo que quería capturar un momento fugaz en el tiempo. Las piscinas fueron un tema recurrente en la obra de Hockney entre 1964 y 1971.

Pop art estadounidense: años 60 en Nueva York

El arte pop se internacionalizó cuando los artistas de Nueva York fueron los primeros en adoptar el estilo. Algunos de los primeros artistas pop estadounidenses fueron Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist y Claes Oldenburg.

Las latas de sopa Campbell’s (1968) es una de las obras más reconocibles del artista pop Andy Warhol (1928-1987). Treinta y dos carteles, cada uno de los cuales representaba una sopa distinta, se realizaron con pintura de polímero sintético sobre lienzo. Otra famosa obra de arte pop de Warhol es el Díptico de Marilyn, de 1962.

El artista pop estadounidense Roy Lichtenstein (1923-1997) utilizó el humor al abordar el tema de la guerra. El piloto de un avión dice: «Pulsé el control de fuego… y delante de mí los cohetes surcaron el cielo». Esto provoca la explosión de otro avión y las palabras ¡Whaam! que dan nombre a la obra de pintura acrílica y óleo sobre lienzo.

Claes Oldenburg (1929-), nacido en Suecia y criado en Estados Unidos, es uno de los únicos artistas pop especializados en escultura. En Pastry Case, I (1960-1961), el artista de pop art elaboró postres clásicos americanos con yeso y pintura, como una tarta de fresa, un banana split, un helado de fresa y una manzana confitada. Estos dulces reposan sobre una vitrina de tres niveles hecha de metal y cristal. Hoy, esta obra escultórica de arte pop es propiedad del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En Presidente electo (1960-1961), el artista de arte pop estadounidense James Rosenquist (1933-2017) hace una declaración política combinando imágenes de John F. Kennedy, con medio Chevrolet y un trozo de tarta rancia, que el artista reveló más tarde que era lo que pensaba de las promesas del político. La obra, realizada en óleo sobre masonita, está expuesta en el Centro Georges Pompidou de París.

Yayoi Kusuma (1929-) se trasladó de Japón a Nueva York en 1958. En la década de 1960 ya era conocida por sus pinturas e instalaciones escultóricas. En Infinity Mirror Room-Phalli’s Field (1965), Kusuma utilizó una habitación de espejos como espacio para cientos de falos de peluche pintados con puntos rojos.

El artista pop Peter Max (1937-), nacido en Alemania y afincado en Estados Unidos, creó un estudio en Nueva York con su amigo Tom Daly. Trabajó en publicidad, carteles y portadas de libros, usando fotografía, collage, colores llamativos e imágenes psicodélicas. El arte pop que Max creó le hizo tan famoso, que acabó en la portada de la revista Life en 1969. Max es conocido por utilizar iconos estadounidenses en su obra.

Pop art Americano: años 60 en Los Ángeles

En 1962, el Museo de Arte de Pasadena, en California, organizó una exposición titulada Nuevas pinturas de objetos comunes. Entre los artistas de arte pop de Los Ángeles representados estaban Ed Ruscha, Phillip Hefferton, Wayne Thiebaud, Joe Good y Robert Dowd. También participaron Andy Warhol y Roy Lichtenstein.

Las diferencias geográficas eran evidentes en las obras, ya que los artistas de arte pop de Los Ángeles utilizaban menos productos de consumo y se centraban, en cambio, en el estilo de vida. Esto incluía imágenes de tablas de surf, agua, motocicletas y letreros. Wayne Thiebaud (1920-2021), como muchos en aquella época, encontraba los comedores y cafeterías parte de una relajante vida californiana, y esto se reflejó en sus obras de arte pop.

Arte pop en los años 70 y 80

Artistas como Andy Warhol siguieron trabajando en el pop art durante las décadas de 1970 y 1980. Usó a Mao Zedong como tema de su obra serigráfica titulada MAO (1973), que pasó a formar parte de una serie. También estaba Pintura de oxidación (1978), que también formaba parte de una serie realizada con la ayuda de amigos que orinaban sobre un lienzo de pintura de cobre. Los autorretratos y las escenas religiosas formaron parte de su mezcla de arte pop en la década de 1980.

Un artista clave que surgió durante esta época fue Keith Haring (1958-1990) Su obra se inspiraba en el arte callejero y el graffiti, que incorporaba temas personales y políticos. En los años 80 abrió Pop Shop, una tienda minorista en Nueva York, que permitía a cualquiera comprar una obra suya. Entre las obras de arte pop más famosas de Keith Haring figuran Crack is Whack (1986), Boxers (1988) y Radiant Baby (1990).

El mural Crack is Whack está situado en una pista de balonmano de la 128 con la 2ª Avenida de Nueva York. La obra se presentó como un comentario del artista sobre el consumo generalizado de esta droga.

El brasileño Britto Romero (1973-) se enamoró del arte cuando viajó a París. Matisse inspiró los colores de sus obras. Picasso inspiró la forma. En 1988, se trasladó a la vibrante Miami. Su pop art de estilo cubista llamó la atención, con sus alegres pinturas, esculturas y serigrafías. En 1989, le invitaron a trabajar junto con Warhol y Harding en la campaña Absolute de Absolute Vodka. Siguieron más campañas publicitarias con Disney y Evian.

El pop art en la actualidad

Muchos de los artistas del movimiento original siguen creando arte, como Peter Blake, David Hockney, Ed Ruscha, Yayoi Kusuma (que ahora vive en Japón), Claes Oldenburg, Peter Max y muchos más. Todas las nuevas obras de arte pop siguen siendo relevantes hoy en día.

1. Imágenes cotidianas

Los artistas del arte pop utilizaban imágenes cotidianas. Al centrarse en el consumismo, los objetos de las estanterías de los supermercados y los electrodomésticos formaban parte del pop art. En el arte pop se emplearon fotos de periódicos, revistas e ilustraciones. También se incorporaron marcas y logotipos. La cultura pop juvenil se introdujo en las imágenes a través de estrellas del rock, del cine y de la política.

2. Una fusión de bellas artes y cultura popular

El arte pop desplazó la percepción pública de lo que era el arte. Aunque la mayoría de los artistas del pop art se formaron en bellas artes, difuminaron las fronteras entre estas y la cultura popular. El artista británico de arte pop Peter Blake ilustró este concepto de forma experta con su cuadro de arte pop En el balcón, hecho para que pareciera un collage. Este pop art muestra a personas rodeadas de bellas artes y símbolos de la cultura popular, como revistas.

3. Una crítica al consumismo

Los artistas de pop art británicos, especialmente Richard Hamilton (1922-2011) y Eduardo Paolozzi (1924-2005) criticaron duramente el consumismo estadounidense, sobre todo porque Gran Bretaña aún intentaba recuperarse tras la guerra.

¿Qué es lo que hace que el hogar actual sea tan diferente, tan atractivo?, del artista inglés de arte pop Richard Hamilton, utiliza imágenes glamurosas de la cultura pop estadounidense, para su collage, con el fin de ilustrar la necesidad imaginaria de comprar continuamente más.

4. Colores llamativos

Los artistas del arte pop emplearon colores atrevidos de la paleta de colores primarios, como el rojo vivo, el amarillo brillante y el azul real. También utilizaron tonos inesperados que no se encuentran en la naturaleza, junto con el neón y los fluorescentes. Los artistas pop creaban arte destinado a captar inmediatamente la atención del espectador.

La famosa obra de pop art Marilyn naranja de Andy Warhol (1928-1987), creada en 1962, justo después de su muerte, es una composición recortada del rostro de la estrella de cine. Esta obra de arte pop tiene un fondo de color naranja encendido. El tono de la piel de Marilyn es rosa antinatural, con los labios pintados de rojo y una sombra de ojos turquesa intensa, a juego con su collar. Su característico pelo rubio platino está representado en amarillo sol.

Roy Lichtenstein (1923-1997) solía pintar mujeres con el pelo amarillo brillante y los labios de un rojo intenso, influido por las imágenes de cómic de las que procedían. En su cuadro de arte pop M-Maybe, de 1965, el espectador toma un poco más de fondo del que suele mostrar Lichtenstein. Utiliza el color como puntuación frente al blanco y negro gráfico. El cielo nocturno es azul real, la escalera parcialmente visible es roja, y el dolor de la ventana es del mismo amarillo que el pelo de la mujer.

5. Cultura pulp

La cultura pulp o las obras de arte que adoptan el estilo de otro medio estuvieron bien representadas en el movimiento del arte pop. Roy Lichtenstein tomó ilustraciones de cómics populares y las convirtió en cuadros recortados, sin argumento. Usó colores brillantes, contornos oscuros y puntos Ben-Day exactamente como se presentaban los cómics.

6. Humor

El arte pop se creó para la diversión y frivolidad de la juventud. Los temas se inyectaban de humor. Incluso se burlaban de temas más serios. WHAAM! del artista de arte pop Roy Lichtenstein toma el tema de la guerra y lo simplifica. El piloto del lienzo de la izquierda está pensando «Pulsé el control de fuego… y delante de mí los cohetes surcaron el cielo». El otro avión explota con la palabra ¡Whaam!

7. Apropiación

Muchos artistas pop tomaron imágenes fotográficas o impresas y las incorporaron directamente a sus obras. Artistas como Lichtenstein tomaban ilustraciones de cómics y libros, aunque sólo las reimaginaban ligeramente. Pintaba las imágenes recortadas y eliminaba el contexto de fondo, omitiendo así cualquier argumento.

El famoso artista de pop art creó el cuadro de arte pop al óleo sobre lienzo titulado Look Mickey (1961) apropiándose de una imagen de un libro de Walt Disney titulado «Pato Donald: perdido y encontrado»:

8. Repetición

Artistas de arte pop como Andy Warhol utilizaron la repetición como tema recurrente en sus obras de arte pop. Utilizando la serigrafía, podía reproducir rápidamente las imágenes y, por tanto, la cantidad de arte. Piensa en las imágenes de celebridades del arte pop de Marilyn Monroe y Elvis, o en objetos domésticos cotidianos como las latas de sopa Campbell.

El artista pop estadounidense Keith Haring (1958-1990) colocaba signos y símbolos recurrentes en sus obras, creando así repetición. La artista pop japonesa Yayoi Kusama (1929-) pinta continuamente lunares y colores psicodélicos. Un motivo recurrente para Kusuma es la calabaza.

9. Imaginería monumental

Las creaciones artísticas del pop art a menudo podían ser extremadamente grandes. La formación de James Rosenquist (1933-2017) en la pintura de vallas publicitarias fue el punto de partida de los coloridos y grandes collages artísticos que pintó. Muchas de estas obras tenían más de 6 metros de ancho.

F-111, pintado entre 1964 y 1965, contiene temas sobre la guerra de Vietnam. Mide 26 metros de largo. La imagen principal de un avión de combate está dividida en 23 paneles, con otras imágenes de productos comerciales en medio. Estas pinturas de arte pop incluyen espaguetis, pastel Angel food, un neumático Firestone y una sombrilla de playa. En total hay 59 paneles entrelazados.

Rosenquist creó F-111 para su primera exposición individual, que tuvo lugar en la Galería Leo Castelli de Nueva York. Allí se extendía por un espacio de cuatro paredes, rodeando al espectador. Hoy, la monumental obra de arte pop cuelga en el MoMA de Nueva York.

10. Diferencias regionales

Los Ángeles produjo un estilo de pop art diferente al de otras regiones como Nueva York. Los bienes de consumo tenían menos protagonismo. Predominaban los objetos que hacían referencia al estilo de vida del sur de California, con imágenes de tablas de surf y motocicletas. Provocaba sentimientos y una actitud sobre el ambiente geográfico menos definida que la costa este.

Las comparaciones fueron evidentes durante la primera exposición de arte pop de la región en el Museo de Arte de Pasadena, en 1962. Se titulaba Nuevas Pinturas de Objetos Comunes, que unía a artistas entre los que se encontraban los artistas visitantes del arte pop Warhol y Lichtenstein, así como los locales Ed Ruscha, Phillip Hefferton, Wayne Thiebaud, Joe Good y Robert Dowd. Ruscha colocó muchos carteles en su obra, destacando las señales que había por todas partes en Los Ángeles.

Andy Warhol (1928-1987)

Andy Warhol fue un artista, cineasta y productor estadounidense que desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del movimiento pop art tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. La carrera artística de Warhol abarcó desde la década de 1950 hasta la de 1980, periodo durante el cual produjo algunas de las obras de arte más icónicas de la historia contemporánea.

Warhol estuvo activo como artista desde la década de 1950 hasta su muerte en 1987. Durante este tiempo, creó una vasta obra que desafió las nociones tradicionales del arte y redefinió los límites de lo que podía considerarse bellas artes. Su audaz uso del color y la incorporación de imágenes populares a su arte revolucionaron el mundo del arte y ayudaron a definir el movimiento pop art.

Las obras de Warhol son muy codiciadas y algunas de sus obras más famosas han alcanzado precios increíbles en subasta. Una de sus obras más caras, «Silver Car Crash (Double Disaster)», se vendió por la asombrosa cantidad de 105,4 millones de dólares en una subasta en 2013. Otra de sus obras, «Ocho Elvis», se vendió por 100 millones de dólares en una venta privada en 2008.

El Museo Andy Warhol, en el 117 de Sandusky Street, Pittsburgh, PA 15212, es uno de los mejores lugares para ver sus obras. El Museo de Arte Moderno de Nueva York y la Tate Modern de Londres también poseen amplias colecciones y organizan exposiciones periódicas para mostrar su obra.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Roy Lichtenstein fue otro artista estadounidense que desempeñó un papel importante en el movimiento pop art. La carrera artística de Roy Lichtenstein abarcó desde la década de 1950 hasta su muerte en 1997. Durante este tiempo, produjo algunas de las obras más reconocibles e influyentes de la era del pop art. En particular, es conocido por su uso de colores llamativos. Su incorporación de imágenes de cómic a su obra desafió las nociones tradicionales de las bellas artes y ayudó a definir el movimiento pop art.

Algunas de las obras más famosas de Lichtenstein han alcanzado precios impresionantes en subasta. Su obra «Mujer con sombrero de flores» se vendió por 56,1 millones de dólares en una subasta en 2013, lo que la convierte en una de sus obras más caras hasta la fecha. Otra obra notable, «Veo toda la habitación… ¡y no hay nadie!», se vendió por 43,2 millones de dólares en 2011.

Claes Oldenburg (1929-2022)

Claes Oldenburg fue un escultor estadounidense nacido en Suecia en 1929. Estuvo en activo desde la década de 1950 hasta principios del siglo XXI, y es conocido por sus esculturas e instalaciones únicas que desafían las nociones tradicionales del arte.

Oldenburg comenzó su carrera artística como pintor, pero pronto pasó a la escultura. Creó esculturas más grandes que la vida real de objetos cotidianos, como hamburguesas, máquinas de escribir y tijeras. Sus esculturas estaban hechas de materiales blandos como vinilo, fieltro y lienzo, y a menudo incorporaban elementos de humor y sátira. Las obras de Oldenburg tuvieron una gran influencia en el desarrollo del arte pop.

Las obras de Oldenburg son conocidas por su carácter lúdico, humorístico y atrevido, y siguen inspirando a artistas y amantes del arte de todo el mundo.

La obra más cara de Oldenburg vendida en una subasta es el «Juego de tambores blandos gigantes», que se vendió por 2,2 millones de dólares en 2011. Sus obras se encuentran en colecciones de importantes museos de todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou de París.

Jasper Johns (1930-actualidad)

Jasper Johns es un artista estadounidense considerado uno de los más influyentes del siglo XX, sobre todo por su uso de imágenes familiares y su exploración de los límites entre pintura y escultura. Sus primeras obras mostraban imágenes de dianas, banderas y mapas, inspiradas en sus experiencias como soldado en Corea.

Johns ha recibido numerosos premios y honores a lo largo de su carrera, entre ellos la Medalla Nacional de las Artes en 1990 y la Medalla Presidencial de la Libertad en 2010.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Robert Rauschenberg fue un artista estadounidense que desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del pop art en la década de 1960. Nació en Port Arthur, Texas, en 1925, y estudió arte en varias instituciones, como el Black Mountain College y la Art Students League de Nueva York. Estuvo activo desde la década de 1950 hasta su muerte en 2008.

El arte de Rauschenberg desafió los límites tradicionales de la pintura, la escultura y el grabado, incorporando a menudo objetos y materiales encontrados en sus obras.

Una de las obras más caras de Rauschenberg vendidas en subasta fue su cuadro «Búfalo II», que se vendió por 88,5 millones de dólares en 2012.

Tom Wesselmann (1931-2004)

El artista estadounidense Tom Wesselmann estudió en el Hiram College y más tarde en la Academia de Arte de Cincinnati. Tras graduarse, se trasladó a Nueva York, donde se relacionó con otros artistas pop, como Andy Warhol y Roy Lichtenstein.

La obra de Wesselmann se caracteriza por sus colores llamativos, planos y vibrantes. A menudo utilizaba recortes de revistas y anuncios como base de sus composiciones, incorporando imágenes de objetos cotidianos, especialmente los relacionados con el sexo y la cultura del consumo. Su obra combinaba a menudo la pintura con otros medios, como el collage, el ensamblaje y la escultura.

La serie de murales Maestros de Cincinnati de ArtWorks, celebra el talento de artistas internacionalmente reconocidos de la zona de Cincinnati e incluye el «Bodegón n.º 60» de Tom Wesselmann. Este mural es un bodegón del tamaño de una valla publicitaria, compuesto por 6 paneles de lienzo con formas distintas.

Richard Hamilton (1922-2011)

Richard Hamilton fue un artista británico pionero del movimiento pop art. Hamilton desempeñó un papel decisivo en el desarrollo del pop art británico, y su obra se centró en los temas de la modernidad, el consumismo y la cultura popular. Se le conoce sobre todo por sus collages, que combinan imágenes de medios de comunicación populares, como revistas y periódicos, así como por su interés por la tecnología y el diseño industrial.

A principios de la década de 1960, Hamilton colaboró con los Beatles, por ejemplo en la portada de su álbum «The White Album».

James Rosenquist (1933-2017)

James Rosenquist es un artista pop estadounidense conocido por sus pinturas a gran escala que combinan elementos de la publicidad y la cultura del consumo con el expresionismo abstracto.

Nacido en Grand Forks, Dakota del Norte, Rosenquist estudió arte en la Universidad de Minnesota y más tarde en la Art Students League de Nueva York. Comenzó su carrera como artista comercial, trabajando para una empresa de rótulos, donde aprendió las técnicas de pintura de vallas publicitarias que más tarde influirían en su arte.

El arte de Rosenquist se caracteriza por el uso de imágenes fragmentadas de la cultura popular, combinadas con elementos abstractos y colores llamativos. Su obra abordaba a menudo cuestiones políticas y sociales de la época, como la guerra de Vietnam y el consumismo.

David Hockney (1937-actualidad)

David Hockney es un destacado artista británico conocido por sus obras vibrantes y coloristas. Se formó en la Bradford School of Art y en el Royal College of Art de Londres. Saltó a la fama durante el movimiento pop art de la década de 1960 y siguió creando arte en una variedad de estilos y medios a lo largo de su carrera. Ha experimentado con la pintura, el dibujo, el grabado y la fotografía. Más recientemente, David Hockney ha creado dibujos para iPad y arte inmersivo.

La obra de arte más cara de Hockney vendida hasta la fecha es «Retrato de un artista (piscina con dos figuras)», que se vendió por 90,3 millones de dólares en 2018. Representa a un hombre de pie en el borde de una piscina, mirando a un nadador bajo el agua. Hockney creó el cuadro en 1972 y se considera una de sus obras más icónicas.

Peter Blake (1932-actualidad)

Peter Blake es un destacado artista de arte pop inglés. Estudió en la Escuela de Arte de Gravesend y más tarde en el Royal College of Art de Londres, donde conoció al también artista David Hockney. Blake fue uno de los pioneros del arte pop británico, y su obra es conocida por sus colores brillantes, sus atrevidos dibujos y sus composiciones tipo collage.

Bridget Riley (1931-actualidad)

Bridget Riley es una pintora británica conocida sobre todo por su arte óptico, también conocido como op art, que juega con la percepción visual y crea efectos hipnóticos. Nació en Londres en 1931 y comenzó su andadura artística estudiando en el Goldsmiths College y en el Royal College of Art.

Su contribución al mundo del op art ha sido reconocida con numerosos premios y honores, como el Praemium Imperiale en 2003 y la Orden del Mérito en 2012.

Latas de sopa Campbell – Campbell’s Soup Cans (Andy Warhol)

El pop art del artista estadounidense Andy Warhol (1928-1987), Campbell’s Soup Cans, de 1962, se centra en la marca de sopa en lata favorita de Norteamérica. Los anuncios de televisión anunciaban la marca como una sopa casera, y como parte saludable de la nutrición de un niño en crecimiento. Se mostraba a familias felices consumiéndola. Warhol dijo:

Yo solía tomarla. Solía comer lo mismo todos los días, durante 20 años, supongo, lo mismo una y otra vez.

El arte pop de Warhol representa los 32 sabores de la sopa, utilizando pintura de polímero sintético sobre 32 lienzos. Al principio, cuando se mostró por primera vez al público, se exhibía en estanterías, como aparecería en un pasillo de comestibles.

Chica Llorando – Crying Girl (Roy Lichtenstein)

Crying Girl es el nombre de dos obras de arte pop del artista estadounidense Roy Lichtenstein (1923-1997). Ambas son mujeres de cómic, con el pelo rubio y amarillo, que aparecen llorando en un primer plano a pantalla completa. La primera fue pintada en 1963, una litografía offset sobre papel tejido. Se creó para una exposición en la Galería Leo Catelli de Nueva York. La mujer está angustiada y mira nerviosamente de reojo, mientras se muerde la mano.

La segunda chica llorando se creó en 1964 con esmalte de porcelana sobre acero. La inspiración fue el cómic Corazones secretos. Aquí la mujer se está secando las lágrimas. Sin nada más en la escena, deja al espectador preguntándose por qué lloran estas mujeres.

Bebé radiante (de la serie Iconos) – Radiant Baby (Keith Haring)

La obra del artista de arte pop Keith Haring (1958-1990), de la serie Iconos, ilustra a un bebé gateando. Se trata de un simple contorno que a menudo aparece en diferentes colores. Rayos en negro irradian hacia fuera, como si el niño estuviera rodeado de haces de luz.

Haring dijo que el bebé, que consideraba una de sus piezas favoritas de la serie, representaba la experiencia más pura y positiva de la existencia humana. El símbolo pasó a formar parte de las obras que dibujaba en el metro de Nueva York.

¿Qué es lo que hace que los hogares actuales sean tan diferentes, tan atractivos? – Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (Richard Hamilton)

Del artista pop inglés Richard Hamilton (1922-2011) se le suele llamar genio en el mundo del arte pop. El collage utiliza imágenes glamurosas de revistas y periódicos, con referencias a la televisión y el cine. Muestra el mundo idealizado con todas las ventajas de la riqueza y el consumismo. El hombre oculta su desnudez tras una piruleta, mientras que la mujer lleva bragas. Ambos aparecen como Adán y Eva de los años 50.

M-Maybe (Roy Lichtenstein)

En esta obra de arte pop, compuesto de óleo y magna sobre lienzo, del famoso artista de arte pop Roy Lichtenstein, un personaje de cómic femenino y rubio contempla por qué no ha aparecido un hombre desconocido. Su excusa es: «A lo mejor se puso enfermo y no pudo salir del estudio», encerrada en una burbuja de pensamiento.

Whaam! (Roy Lichtenstein)

Whaam! del artista de arte pop Roy Lichtenstein, ilustra una batalla aérea y una carnicería en dos paneles. La burbuja de pensamiento de un piloto dice «Pulsé el mando de fuego… y delante de mí los cohetes surcaron el cielo». El avión del segundo panel explota con la palabra Whaam! Esta obra de arte pop, realizada con pintura acrílica y óleo sobre lienzo, simplifica la guerra, a modo de cómic.

Chica ahogándose – Drowning Girl (Roy Lichtenstein)

La Chica ahogándose de Roy Lichtenstein, creada con pintura al óleo y polímero sintético sobre lienzo, se encuentra en una situación peligrosa, pero se niega a pedir ayuda a un pretendiente que le ha causado cierta angustia. «¡No me importa! Prefiero hundirme antes que pedir ayuda a Brad!», dice la burbuja de pensamiento.

La imagen original fue dibujada por el artista Tony Abruzzo, para un cómic titulado Corazones secretos. Lichtenstein utilizó la imagen en una reproducción muy recortada, que elimina la historia de fondo. Esto hace que el espectador se pregunte cómo acabó la mujer en las aguas profundas. Hoy, la obra cuelga en el MoMA de Nueva York.

Mira Mickey – Look Mickey (Roy Lichtenstein)

La pintura pop art de 1961 del artista Roy Lichtenstein, óleo sobre lienzo, titulada Look Mickey, se concibió tomando una imagen de un libro infantil de Walt Disney titulado Pato Donald: Perdido y Encontrado. El ratón y el pato están pescando en un muelle. Donald exclama emocionado: «¡Mira Mickey, he pescado uno grande!». Las palabras del personaje están escritas en el lienzo. Mickey se ríe detrás de la mano. El pato sólo ha conseguido atrapar su camisa por encima de su propia cola. Este es un ejemplo del tipo de apropiación que Lichtenstein utilizó para su arte pop, basado en la cultura popular de la época.

Spoonbridge and Cherry (Claes Oldenburg)

El artista de arte pop Claes Oldenburg (1929-), nacido en Suiza y afincado en Estados Unidos, creó en 1988 la fuente escultórica de arte pop titulada Spoonbridge and Cherry. La obra, con una gran cereza apoyada en la curva superior de la cuchara, reside permanentemente en el Jardín de Esculturas de Minneapolis. La escultura cruza un pequeño estanque representando un «puente». Construida en acero inoxidable y aluminio, con un recubrimiento de esmalte de poliuretano, la cuchara pesa la friolera de 2630 kilos, mientras que la cereza pesa 544 kilos. El agua sale de la base de la cereza, así como de su tallo.

Caja de Brillo – Brillo Box (Andy Warhol)

El artista de arte pop Andy Warhol causó más controversia, desafiando la percepción pública de lo que es el arte. Brillo Box (1964) es una escultura de arte pop y una copia de un producto de consumo. Mientras que las pastillas de jabón Brillo de uso doméstico venían en cajas de cartón ondulado, el arte pop de Warhol se construyó en madera con acetato de polivinilo y tinta serigráfica.

Más tarde, Warhol fabricaría otras cajas Brillo basadas en la original en el MoMA de Nueva York. Por ejemplo, en 1970, produjo cien de ellas para la inauguración del Museo de Arte de Pasadena, ahora llamado Museo Norton Simon.

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