Todos tenemos una idea de la importancia de la época del Renacimiento en la historia europea, y de la era de innovación e ilustración que tanto la caracteriza. El arte que surgió de esta época sigue entre nosotros hoy en día, desde las reposiciones en la cultura pop hasta los originales que se encuentran en las galerías de arte de toda Europa.

Como parte del turismo cultural, visitar museos donde estén colgados los cuadros más famosos del Renacimiento es una actividad que mucha gente realiza a lo largo del año.

Si te interesa esta parte de la historia y te preguntas en qué consistió el periodo artístico del Renacimiento, qué lo caracterizó y dónde tuvo lugar, este artículo te proporcionará todo lo que necesitas saber.

El Renacimiento es un movimiento artístico que se desarrolló en Italia en el siglo XIV y se extendió por toda Europa, alcanzando su punto álgido con el arte del siglo XVI de los maestros italianos Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael. Renaissance, palabra francesa que significa «renacimiento», indica el periodo que vino después del Medievalismo y vio el renacimiento humanista del arte clásico. Apartándose del ambiente religioso que dominaba la Edad Media, los artistas del Renacimiento encaminaron su atención a la belleza y el misterio del mundo natural y al hombre individual, que se consideraba el centro de esta nueva era.

El Renacimiento se desarrolló cuando el Humanismo, la filosofía que se centraba en los intereses y necesidades humanas, considerando a las personas como seres racionales, que se extendía por Italia y Europa. Siguió a la Edad Media, en la que el arte era casi exclusivamente religioso, y aunque la visión religiosa del mundo siguió desempeñando un papel importante en el arte, en el Renacimiento hubo un creciente interés por el mundo natural y por el ser humano individual. En sus lienzos, entre los temas religiosos, los artistas del Renacimiento incluyeron también otros temas, como la mitología griega y romana, la historia y los retratos de individuos. El objetivo principal era representar los temas no con una visión idealista, como ocurría en el Medievo (es decir, el periodo anterior al Renacimiento), sino de forma más humanista. El enfoque en el cuerpo humano, que llevó a artistas como Leonardo a estudiar la anatomía humana en detalle, les permitió pintar figuras que parecían humanas y reales. Los cuerpos de Cristo y de otras figuras religiosas no tienen ideales ni connotaciones sagradas, sino que destacan la dignidad y el valor de la persona.

Esta nueva tendencia al realismo en las artes, que caracterizó la pintura en el Renacimiento, se expresó también en el desarrollo de nuevas técnicas artísticas que permitían que los sujetos y el fondo del cuadro parecieran reales: desde la técnica de pintura Sfumato de Leonardo da Vinci hasta el nacimiento de la perspectiva de Brunelleschi.

Según estas declaraciones, la pintura renacentista puede resumirse en tres puntos principales:

1. Formulación de las reglas de la perspectiva lineal que organizaba el espacio unitario.
2. Concentración en el ser humano como individuo, tanto en su anatomía como en la representación de las emociones.
3. Rechazo de los elementos decorativos y vuelta a lo esencial.

El arte del Renacimiento, junto con la filosofía humanista renacentista, se extendió por toda Europa influyendo tanto en los artistas como en sus mecenas con el desarrollo de nuevas técnicas y nuevas sensibilidades artísticas. Entre los artistas más importantes del Renacimiento se encuentran, entre otros, Botticelli, Mantegna y Tiziano para el Renacimiento temprano, y Miguel Ángel, Leonardo y Rafael para el Renacimiento tardío.

Para entender mejor la pintura en el renacimiento, sus características y las obras más importantes, veamos un resumen de la historia de este periodo.

En 1401, en Florencia (Italia), un concurso para esculpir un conjunto de puertas de bronce para el Baptisterio de la Catedral de Florencia contó con la participación de siete jóvenes escultores, entre los que se encontraban Brunelleschi, Donatello y también Lorenzo Ghiberti, que acabó ganándolo. Este concurso se considera la fecha de inicio del Renacimiento, ya que animó a los artistas a buscar una nueva forma de pintar que pudiera representar el aspecto real de la humanidad. Siguiendo unos ideales humanistas promovidos por las actividades literarias de Dante Alighieri y Petrarca, así como las pinturas medievales de Giotto, que desarrolló una forma de pintura figurativa naturalista y tridimensional, el arte renacentista se desarrolló en Italia en el siglo XIV y luego se extendió por toda Europa hasta el siglo XVI.

Quattrocento

El Renacimiento temprano es el periodo que comienza en 1401 con el concurso de Florencia y termina con otro encargo que reunió a muchos artistas. A finales del siglo XV, hacia 1475-81, el Papa Sixto IV decidió reconstruir la Capilla Sixtina y autorizó a un grupo de pintores, es decir, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli, a cooperar y decorar la Capilla con frescos que representaran la Vida de Cristo y la Vida de Moisés. En estos frescos, los artistas compartieron las características de la pintura del Renacimiento, como la anatomía y el estudio de la figura humana, utilizando las técnicas de iluminación y perspectiva que caracterizaban al movimiento italiano. Por tanto, en este periodo los pintores se interesaron por emular el arte clásico centrándose en la simetría y la creación de formas perfectas.

Cinquecento

El Alto Renacimiento es el periodo más conocido por algunos de los grandes maestros del arte renacentista: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael. Estos maestros se interesaron por la perspectiva y el espacio, aportando más realismo al arte. Trataron de perfeccionar algunos aspectos de la pintura desarrollados por los primeros artistas del Renacimiento, estudiando y registrando sus observaciones del mundo natural y del cuerpo humano. Cada uno de los tres maestros encarna un aspecto importante del periodo: Leonardo era un genio intelectual interesado en investigar los misterios de la naturaleza y la anatomía humana; Miguel Ángel se interesaba por el estudio del cuerpo humano como vehículo máximo de expresión emocional; y Rafael, que puede considerarse una síntesis de los dos artistas, creó obras que expresan perfectamente el espíritu armonioso y bello del arte clásico. En el norte de Italia, el Alto Renacimiento estuvo representado por las pinturas de Bellini, Giorgione y Tiziano.

El Renacimiento terminó cuando las tensiones entre la fe cristiana y el humanismo clásico condujeron al Manierismo en la última parte del siglo XVI. El Renacimiento ha dejado una inmensa herencia artística a Italia, a Europa y al mundo entero, y hoy es considerado por muchos como el movimiento artístico más importante de la historia del arte.

1. Una voluntad positiva de aprender y explorar

La aparición de la tecnología y los nuevos descubrimientos llevaron a los artistas y a los estudiantes a buscar más.

Mientras en el mundo occidental se producían simultáneamente descubrimientos e innovaciones, los artistas de Italia sentían cada vez más curiosidad por explorar el mundo y todos los aspectos posibles de la naturaleza.

Los descubrimientos en Europa incluían nuevas rutas marítimas, continentes y colonias, junto con nuevas innovaciones en arquitectura, escultura y pintura. Creían que la recuperación de la antigüedad clásica podría conducir a una apuesta muy digna y normalizada en esa época.

2. Fe en la nobleza del hombre. Humanismo

Antes del Renacimiento estaba el Humanismo Renacentista, que contribuyó enormemente al auge del Renacimiento y la pintura renacentista.

Ten en cuenta que el Humanismo Renacentista no es lo mismo que el Humanismo.

El Humanismo fue una rama importante y característica del periodo del Renacimiento. Mientras que el Humanismo Renacentista fue un movimiento intelectual que comenzó en el siglo XIII. El mayor ideal de la filosofía estaba ligado al estudio de los textos clásicos, y a la alteración de estos pensamientos clásicos por otros más contemporáneos. En el siglo XV, el Humanismo Renacentista se convirtió en la forma de educación dominante. Era tan popular que se dividió en una serie de subdesarrollos. Francesco Petrarca (1304-1374) es considerado el Padre del Humanismo italiano, su contribución a la filosofía fue muy grande.

El Humanismo Renacentista fue muy decisivo para el reinado del Renacimiento. Fue popular y predominante durante el periodo. Hasta el punto de que la Iglesia tuvo que apoyarlo e incluso «patrocinarlo».

Los humanistas compartían la creencia de que Dios creó a los seres humanos con muchos potenciales y habilidades, y para sacar lo mejor de ellos, uno tiene que dignificarse y estimarse correctamente. Por ello, sentían que tenían la responsabilidad de actuar según esta creencia y sacar el máximo provecho de ella.

A través del humanismo, el arte renacentista disfrutó especialmente del apoyo de la Iglesia. La iglesia comenzó a financiar y patrocinar las empresas creativas y la educación. Y con el alto grado de mecenazgo de la realeza adinerada, siempre había un mercado dispuesto para las pinturas que se hacían.

Los intelectuales, los artesanos y los hombres comunes llegaron a la conclusión de que la Iglesia nunca fue una fuente responsable de su comportamiento y sus creencias hacia Dios y sus semejantes, y que ellos mismos son responsables de sus acciones.

Se despejó la visión paralela entre la religión y el humanismo y se reflexionó sobre la estima relacionada con la autoimportancia. La magnífica Procesión de los Reyes Magos, retratada por Gozzoli junto con las compañías, busca una cara más regia que religiosa.

3. El descubrimiento y el dominio de la perspectiva lineal

El renacimiento de las matemáticas y las proporciones condujo a las innovaciones de dos grandes sistemas: el uso de la perspectiva lineal y la introducción del punto de fuga. Se considera una de las características revolucionarias de la pintura en el Renacimiento.

Fue creado por el famoso arquitecto de la época, Filippo Brunelleschi.

Utilizó las innovaciones matemáticas para crear una perspectiva lineal utilizando líneas paralelas, una línea de horizonte y un punto de fuga para representar de forma realista el espacio y la profundidad en el arte.

Como la pintura es una actividad bidimensional, la llegada de la perspectiva lineal creó un aspecto tridimensional mediante la práctica.

Para conseguirlo, los artistas tomaban una línea de horizonte a la altura de los ojos y marcaban en ella un punto de fuga. Se creaba un tablero de ajedrez de líneas que se cruzaban y convergían con el punto de fuga. Esto creaba una sensación de distancia y profundidad.

Con la práctica constante, los artistas consiguieron crear un efecto tridimensional en sus cuadros.

No sólo se disparó el arte con perspectiva lineal, sino que también fue digna de elogio la capacidad de retratar figuras convincentemente naturalistas en espacios ilusionistas.

El cerebro de estos desarrollos fue el autor de tres tratados matemáticos y un maravilloso artista, Piero Della Francesca, cuyas pinturas en perspectiva y figuras impresionantes mostraban técnica y delicadeza. Un ejemplo clásico de su obra es La Flagelación de Cristo.

4. Renacimiento del naturalismo

Esta es otra de las características de la pintura renacentista que provocó un cambio en los patrones del mundo.

En este periodo se produjo el auge de los dibujos y pinturas anatómicas. El artista italiano del Renacimiento, Leonardo da Vinci, fue el pionero de este movimiento. Estableció la norma de dibujar y pintar cuerpos anatómicamente correctos. Lo hizo a partir de su búsqueda para comprender a fondo el cuerpo humano. Lo hizo realizando 20 autopsias mientras dibujaba todo lo que encontraba en el cuerpo humano, tal y como él lo veía. Luego incorporó lo que aprendió de las estructuras óseas, la musculatura y la colocación de los órganos (a partir de los cuerpos que dibujó o pintó), al conjunto de conocimientos.

Los artistas italianos del Renacimiento integraron las figuras en escenas complejas que permitían una perspectiva más amplia y un vistazo a la vida de los ricos o las personas adineradas.

Tanto la luz como la sombra y la perspectiva se utilizaban con eficacia para llamar la atención sobre las figuras en las pinturas.

Leonardo Da Vinci era considerado tanto un científico como un artista. Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel observaron la disección de cadáveres. Esto les servía para estudiar cómo se encontraban los músculos humanos debajo de la piel.

En la época medieval, el cuerpo humano se consideraba pecaminoso, maloliente y repugnante. Y, por tanto, debía estar cubierto en todo momento.

Pero luego, durante el periodo del Renacimiento, esto cambió. Los pensadores del Renacimiento consideraban que el cuerpo humano era algo hermoso. Y, de hecho, un modelo del universo de Dios.

En el dibujo de Da Vinci de 1487; El hombre de Vitruvio, que significaba «hombre universal», expresó cómo un cuerpo humano con los brazos extendidos, encaja en un círculo perfecto. Y lo hizo con los brazos extendidos en un cuadrado perfecto.

La estatua desnuda de Miguel Ángel, el David, es un ejemplo de la fascinación del Renacimiento por el cuerpo humano. Y su creencia de que el cuerpo humano es la cúspide de la creación de Dios.

Miguel Ángel pintó muchos personajes desnudos en su Juicio Final. Lo hizo en la pared de la Capilla Sixtina. Y al cabo de un tiempo, el Vaticano tuvo que contratar a otro pintor para que pintara ropas modestas alrededor de sus dibujos, para cubrir muchas de las pinturas de desnudos.

5. Secularismo

El laicismo, que es la última de las características de la pintura en el Renacimiento en la que nos detendremos, fue también una fuerza útil. Es la transición de las creencias y patrones de pensamiento predominantes de los temas religiosos a temas más amplios. Y también la incorporación de prácticas como la arquitectura y la escultura. Los artistas del Renacimiento retrataron temas no religiosos, mientras que el arte medieval era de naturaleza exclusivamente religiosa.

Durante la época medieval, la mayoría de la gente creía que el mundo se acabaría en el año 1000 d.C., por lo que consideraban que cualquier otro tema artístico era inapropiado.

El arte del Renacimiento se centró en temas religiosos y en personajes bíblicos. Por ello, la tendencia cambió gradualmente hacia la pintura de escenas que no eran religiosas.

Uno de los primeros ejemplos renacentistas de un tema no religioso fue el revolucionario Matrimonio Arnolfini de van Eyck. Jan van Eyck empleó el arte de la profundidad y el reflejo añadiendo un espejo en la pared del fondo. De este modo, las personas que veían el cuadro obtenían un reflejo de sí mismas en la vista del cuadro.

El interés por la cultura clásica romana se reavivó durante este periodo. Luego, el Renacimiento propuso obras de arte que a menudo representaban escenas de la mitología griega y romana.

Una de las pruebas del renacimiento de la cultura griega y romana fue el resurgimiento de las obras de escultura.

En la época clásica, sólo las ciudades importantes estaban llenas de estatuas y esculturas. Pero durante el Renacimiento aumentó el interés por la arqueología, para redescubrir la cultura clásica. Miguel Ángel estaba presente cuando se descubrió en Roma el Laocoonte, tallado en el siglo I.

Miguel Ángel no sólo fue un pintor y escultor de gran talento. También fue el arquitecto de la Cúpula de la Basílica de San Pedro en Roma. Y este edificio eclesiástico es aclamado como el mayor edificio eclesiástico de la Tierra.

Hagamos un repaso por la pintura en el Renacimiento hablando de las obras más famosas de este periodo artístico de nuestra historia.

1. Mona Lisa

El cuadro Mona Lisa de Leonardo Da Vinci es una de las pinturas más famosas y reconocidas de la historia. Indiscutiblemente, es el cuadro más debatido por su enigmática sonrisa. Ha habido muchas discusiones sobre la sonrisa de Mona Lisa, si está sonriendo o no. La principal característica de este cuadro es que Da Vinci ha pintado sus ojos de tal manera que, aunque cambies el ángulo de visión, los ojos de Mona Lisa parecen seguirte siempre. El cuadro está realizado en óleo sobre madera y actualmente es propiedad del Gobierno de Francia. La Mona Lisa está expuesta en el Louvre de París y pertenece al público, lo que significa que no se puede comprar ni vender.

2. Primavera

Primavera es un cuadro de Sandro Botticelli cuyo nombre original era Alessandro di Mariano Filipepi. El cuadro también se conoce como Alegoría de la Primavera. Se cree que Botticelli creó esta obra de arte alrededor de 1482 y se dice que es uno de los principales ejemplos del arte del Renacimiento. Muchos han intentado interpretar el cuadro y muchos han dado explicaciones. Algunos dicen que es una alegoría mítica, mientras que otros dicen que trata del cambio de estación en la primavera. Este cuadro es popular por el uso del color y las diferentes explicaciones que se le atribuyen. Se cree que la Primavera es el cuadro más controvertido del mundo.

3. La Creación de Adán

Creado en 1512, es uno de los cuadros icónicos de Miguel Ángel y de la pintura en el Renacimiento. La creación de Adán es la pintura del techo de la Capilla Sixtina. Aunque es uno de los cuadros más reproducidos de todos los tiempos, sólo es el segundo en popularidad después de la Mona Lisa. El cuadro se ha convertido en un símbolo de la humanidad, ya que la imagen representa la mano de Dios y de Adán a punto de tocarse.

4. La Última Cena

Considerada la mejor obra de arte de Leonardo Da Vinci en 1498, La Última Cena es una importante pintura del periodo renacentista. La imagen muestra a Jesús con sus discípulos en su última cena. El cuadro destaca por su inteligente uso del color, la luz y la anatomía. El cuadro es también objeto de muchas discusiones y conjeturas. Muchos han propuesto que la discípula sentada a la derecha de Jesús es María Magdalena y también se han preguntado el significado o el sentido de la forma de V entre Jesús y la persona de la derecha. A pesar de todas las conjeturas, La Última Cena es una de las obras maestras de Leonardo Da Vinci.

5. La Escuela de Atenas

Pintada en 1511, es uno de los cuatro frescos principales de las paredes del Palacio Apostólico del Vaticano. Los cuatro frescos simbolizan la Filosofía, la Poesía, la Teología y el Derecho. El cuadro simboliza la filosofía porque se dice que el cuadro es una representación de la mejor época de la filosofía griega, ya que se puede encontrar a Aristóteles y Platón en el centro del cuadro. Este cuadro ha captado perfectamente el espíritu clásico del Renacimiento.

6. El beso de Judas

Pintado en el año 1306 por Giotto di Bondone, este cuadro representa el momento de la traición de Jesús por parte de Judas Iscariote, que identifica a Jesús ante los soldados romanos besándolo. La Capilla de los Scrovegni alberga el ciclo de frescos de Giotto di Bondone, y El Beso de Judas es el cuadro más famoso del ciclo. Muchos críticos creen que Giotto es un genio y que ningún artista ha podido superar su obra. Su maestría es evidente en la forma en que captó la expresión de Jesús y Judas en esa escena de traición.

7. El Juicio Final

Este cuadro de Miguel Ángel Buonarroti, completado en el año 1541, se encuentra en la pared del altar de la Capilla Sixtina de la Ciudad del Vaticano. El cuadro trata de la segunda venida de Jesús, el día en que Dios juzgará a toda la humanidad. Miguel Ángel ha pintado a Jesús en el centro rodeado de santos. La parte superior del cuadro muestra la resurrección de los muertos al cielo y la parte inferior muestra el descenso de los pecadores al infierno. El uso de los colores y la excelente pincelada hacen de este cuadro uno de los más venerados del mundo y un referente de la pintura en el Renacimiento.

8. La Virgen Sixtina

Raffaello Sanzio, conocido popularmente como Rafael, pintó la Virgen Sixtina en 1512. El cuadro muestra a la Madre María sosteniendo al niño Jesús en sus manos con Santa Bárbara y San Sixto a sus lados y dos querubines debajo de ella. Se trata de una de las obras más famosas de Rafael e importante pintura del Renacimiento.

9. Asunción de la Virgen

En el altar mayor de la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, se encuentra este cuadro de Tiziano Vecellio, también conocido como Tiziano. Este cuadro fue realizado por Tiziano en sus primeros años y en él ha utilizado colores vivos. La Asunción de la Virgen es un cuadro sobre la subida de la Madre María al cielo. Tiziano ha pintado a la Madre María con un vestido rojo que se eleva al cielo, donde Dios contempla a María mientras los apóstoles se despiden de ella desde el suelo.

10. El nacimiento de Venus

Creado en 1485, el cuadro muestra a la diosa Venus llegando a la isla de Chipre. Se la representa como una mujer pura y madura de pie sobre una concha marina. Botticelli prestó mucha atención a cada detalle de Venus. Este cuadro se realizó en una época en la que la desnudez era un tema de la pintura, por lo que es un cuadro importante del Renacimiento.

La lista resume los cuadros más importantes del Renacimiento, que vio surgir a muchos artistas. El Renacimiento fue, sin duda, un renacimiento cultural y artístico en la historia y estos cuadros se han convertido en sinónimos del periodo del Renacimiento.

Vídeo: Pintura Renacentista | La Pintura en el Renacimiento